samedi 16 mars 2013

Tutolab !




Yop les amis, après être revenu d'un weekend de la Foire 
du Livre à Bruxelles de folie (d'ailleurs coucou à tous ceux qui passent ici après 
m'avoir découvert là bas), je poste un petit tutoriel sur la façon dont 
je bosse une illu de A à Z, du moins grosso modo...

...reprenons donc la dernière en date, celle du géant scaphandrier :


étape 1 :
le dessin au trait.




Je commence au préalable par une esquisse très rapide, limite illisible pour 
ceux qui n'ont pas une idée précise de la composition générale (c'est pour 
ça que je trouve que ce n'est pas spécialement intéressant de la poster ici, 
quoique si certains fous furieux sont curieux alors pourquoi pas).

Je dessine ensuite directement à l'aide de documentations (photos, poses trouvées
 à droite à gauche, car je sors pas une contre plongée d'un personnage assis comme ça,
 ya des limites aussi ^^;) les poses des personnages, sans me soucier de la propreté du trait, 
du dessin et de son rendu final, car je nettoie ensuite sous Photoshop les saletés, traits de 
constructions et autres éléments disgracieux. Car je préfère passer 3h à nettoyer un 
trait plus spontané et frais que 3h à essayer de le reproduire de manière
 propre à la table lumineuse.

Donc oui, ce que vous voyez là est l'original, je veux dire que je n'ai pas encré
 un crayonné, ceci EST mon crayonné si on veut, car je travaille généralement
 au crayon de bois, outil ultime !

étape 2:
un peu de couleur dediou.




A partir de là je fonctionne par groupe de claques (dans Photoshop),
 un groupe par "thème" : fond, décor, personnages, ombres, lumière etc...".
 Ici je commence par le fond avec plusieurs nuances autour d'une couleur pour
 poser la base de ma gamme de couleur.


étape 3:
les décors






Je rajoute la couleur des éléments du décor, les murs, les tables/chaises, le sol 
et le reste de l'architecture. Je continue toujours autour de ma gamme de couleur de base,
 je ne pense pas encore à l'ambiance finale (qui viendra bien plus tard) mais m'assure 
de rester homogène. Cependant je sais ou je vais, j'ai une idée très précise 
de ce à quoi va ressembler la couleur finale.


étape 4:
les persos





La couleurs des personnages, incluant le géant en arrière plan. 
Bon bah même topos, je cherche plus à être cohérent avec ma gamme 
de couleur plutôt que d'être cohérent avec la crédibilité des couleurs "in real life", 
car en effet, la peau peut paraître à ce stade un peu jaunâtre. Mais c'est une chose à 
comprendre quand on débute dans la couleur: la couleur paraîtra plus crédible si l'ambiance 
est homogène, chercher à constamment copier la réalité nous fait faire parfois des 
choix maladroits. De plus, dans la vie réelle, les couleurs changent à chaque
 heure en fonction de la lumière projetée, observer ces variations dans la vie 
de tous les jours aide beaucoup !


étape 5:
ambiance !





Ici, étape en un clic, je rempli juste un calque d'une couleur qui va créer mon
ambiance, ici le bleu/cyan pour rappeler le coté marin. Cela aurait pu être rouge,
 orangée ou autre mais cela change complètement la façon dont on va percevoir l'illustration,
en gros, cela donnera une personnalité différente. Cette couleur était comme je vous l'ai dit prévue
 à la base, et c'est pour cette raison que j'ai volontairement choisi une gamme de base dans
les jaunâtres, car ça contraste avec cette ambiance bleu. Et quand ça contraste,
ça se met en valeur mutuellement !


étape 6:
après l'effort, le réconfort.






Voilà le résultat final que vous connaissez déjà: Tout ce que j'ai fait par rapport à
 l'étape précédente, c'est de gommer le calque transparent d'ambiance pour laisser apparaître 
les couleurs de base afin de créer un éclairage. D'ailleurs d'une manière générale, je fonctionne
 comme cela, je choisi de creuser la lumière sur un calque "ombre/ambiance" plutôt que placer 
les ombres sur un calque vierge. C'est juste une question de goût, il n'y a pas de meilleure moyen de procéder.

Comme je vous le disais dans l'étape 5, les couleurs en se contrastant, donnent l'impression
 d'être plus vives, vous pouvez vous amusez par exemple à comparer les rouges des pulls 
(ou tout autre couleur) des personnages dans cette étape avec l'étape 4: ce sont exactement les
 mêmes, mais le cerveau les perçoit différemment ! 
Technique de David Copperfield ;)

Pour finir, j'ajoute par endroits des éléments comme la lune,
 la lumière rouge du scaphandrier etc...



Voilà ! Rien de bien sorcier ou de compliqué en soit, de plus ce ne sont que des aplats, 
ça ne nécessite pas forcément un travail de virtuose de peintre. De toute façon le plus 
important dans une couleur, ce sont les choix de nuances et la cohérence générale !


N'hésitez pas à dire ce que vous en pensez dans les commentaires, si vous avez 
des questions ou suggestions, ou si vous avez apprécié ce tutoriel, 
j'en referais =).

Merci et bonne lecture !

6 commentaires:

  1. C'est vachement intéressant!
    Bravo, professeur en herbe, ça m'éclaire sur beaucoup de points. Principalement l'encrage que tu ne fais pas, car tu gardes le crayon. Une question existentielle qui me prend le choux depuis longtemps: quel crayon utilises-tu? Et quelle catégorie? Je n'ai jamais trouvé le bon crayon pour travailler comme tu le fais. Car le pire pour moi, c'est le scan qui rend terne mes traits, qui eux disparaissent quand je blanchis la page sur photoshop.

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  2. Moi je suis un fou furieux qui veut voir ton gribouillis là !!

    Super tuto sinon ! ça fait plaisir de revoir la technique de jo!

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  3. En fait Hélène, j'utilise un simple porte mine de taille 0.3 et de calibre HB.

    Sinon par moment j'utilise le crayon de bois classique, toujours de calibre HB.
    D'ordinaire j'ai une règle :
    -les personnages au crayon de bois (que je taille au cutter pour plus de précision)
    -les décors au porte-mine

    Pourquoi ? car le crayon de bois permet de plus jouer sur les "pleins et les déliés", de jouer avec l'épaisseur et donc apporter plus de subtilité. Et ça j'en ai besoin pour les personnages.

    Et pour les décors, le porte mine suffit car ça permet un trait générique, neutre et qui va me permettre de travailler de manière homogène.

    En gros ça dépend de la composition générale de l'illu, ici je n'ai fait que du porte mine car l'illu présente beaucoup d'élément et le regard doit voyager dans toute la composition, de plus la couleur est pas mal présente du coup si je rajoute "trop" de travail au crayon, le dessin devient trop présent, trop "graphique", et généralement ça nuit à l'ambiance générale qui demande un bon équilibre entre trait/couleur/composition.

    Enfin bon en gros, porte mine 0.3 et crayon de bois HB =)

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  4. Mais sinon Hélène, il n'y a pas de bon crayon, trouve le tien et celui avec lequel t'es le plus à l'aise, c'est ça qui te permettra de sortir des trucs naturellement.

    Si j'utilise un porte mine et un crayon tout con, c'est parce que j'ai toujours utilisé ça, du coup je me suis "entraîné" à ça.

    J'ai justement des soucis avec les crayons plus riches car j'arrive à rien avec...

    Même topo pour le papier, je dessine sur du papier machine tout con...pareil, question d'habitude.

    C'est pas en utilisant un matos de ouf que tu dessineras mieux ou que tu trouveras ton trait. Pioche dans ce que tu connais.

    Enfin beaucoup te diront l'inverse, que c'est avec des outils plus riches que ça te "libérera". ça dépend des gens mais bon.

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  5. Oui oui bien sûr on a chacun nos affinités! Ça m'intéressait de connaître les tiennes. Tes traits sont tellement propres, c'est ça que je cherche à avoir, mais les papiers sur lesquels j'aime dessiner sont teintés et souvent recyclés, ce qui donne des tâches un peu partout! Et la teinte du papier ternit mon trait, qui disparait au nettoyage Photoshop. Bref, c'est la merde!
    Ça m'étonne que tu travailles au HB, moi ça part plutôt dans le 4B/5B, mais là encore mes traits ne sont pas propres (je me demandais si des mines de criterium existaient en 4B!).
    En tout cas tu me fais prendre conscience que je dois essayer autre chose! Un papier blanc, pour commencer...

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  6. Les mines 4B existent en critérium oui, suffit de trouver, je pense que dans des enseignes types furet du nord ça existe. Après il y a toujours Graphigro (même s'ils ont des sales prix).

    Mes traits sont propres car je cherche une ligne claire et que je passe beaucoup de temps à le nettoyer/contraster sur photoshop.
    C'est l'avantage mais il y aura toujours une perte de nuances, c'est l'inconvénient. Mais d'un autre coté avec la pratique, on parvient à travailler son trait en amont sur la feuille afin de "l'adapter" à notre travail sur photoshop, peut importe le papier ou l'outil.

    Après dans le cas d'un dessin riche sur papier riche, c'est bien aussi de garder les accidents ou les "saletés", ça peut participer au graphisme et accentuer le coté vivant si c'est ce que tu recherches.

    C'est cool si t'aime mon travail sur le trait mais cherche pas non plus à atteindre le même résultat, ton travail est très riche à la base et je pense qu'il faut que tu gardes le maximum de choses présentes sur ta feuille tant que tu travailles avec tes outils actuels.

    Après il y a une astuce qui consiste à travailler sur une feuille vierge, blanche et neutre pour avoir son trait propre et maîtrisé, pour ensuite scanner une feuille avec de la matière (à grain, vergé, recyclé ou autre) et la mettre en calque transparent au coté de ton trait.

    T'auras un résultat final qui allie un dessin propre à un papier intéressant =)

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